🔊 Escuchar la nota

 

 

• Creadores como José Cacho, Alejandra Contente y Florence Ortiz advierten que el mercado artístico exige constancia, autogestión y visión empresarial más allá del talento

 

• Desde la Expo BADA, artistas revelan que vender obra no es inmediato y que el mayor obstáculo muchas veces es el miedo interno y la falta de visibilidad

 

Redacción/CAMBIO22

¿Se puede vivir del arte en México? La pregunta aparece una y otra vez entre artistas emergentes y consolidados, y rara vez encuentra una respuesta sencilla. La exposición BADA reúne a creadores de distintas disciplinas que, desde su experiencia, reflexionan sobre el mercado, el valor de la obra, la constancia y la carga emocional que implica convertir el arte en una forma de vida.

Sus testimonios revelan que vivir del arte no es solo crear: es resistir, adaptarse y entender el oficio más allá del impulso creativo. El valor se construye con el tiempo.

Para José Cacho, el camino artístico ha sido largo y paciente. Señala que uno de los errores más comunes es sobrevalorar la obra en etapas tempranas. “El precio tiene que ser racional”, explica, considerando materiales, tiempo, desgaste físico y proceso creativo.

Para él, el valor real se construye con los años y la trayectoria, pues el arte no es solo pasión, sino “también un negocio que necesita conciencia y estrategia”. Su llegada a BADA a través de Instagram demuestra cómo las redes sociales pueden abrir puertas sin intermediarios, permitiéndole difundir un trabajo que define como un “nuevo clásico”, en constante evolución.

Desde otra perspectiva, Romería Luis habla del inicio de su profesionalización. Este es su primer año en BADA y también el primero en asumirse como artista visual de tiempo completo.

Aunque ha pintado toda su vida, reconoce que compararse en redes sociales le generó inseguridad: “Ves mucha repetición y copia”. Sin embargo, defiende crear desde la emoción, incluso cuando el miedo está presente. Participar en BADA fue decisivo para impulsar su producción y confiar en su proceso intuitivo. “Hay que empezar aunque no te sientas listo”, afirma.

La carga emocional de crear

Alejandra Contente, escultora con quince años de trayectoria, entiende el arte como una extensión directa de la vida emocional. “La obra no está separada de quien eres”, explica, razón por la cual la crítica puede sentirse personal. Su producción se divide en dos líneas: una escultura centrada en el cuerpo humano y las emociones, y otra inspirada en el origami, donde animales coloridos funcionan como una forma de terapia. Reconoce que vivir del arte es posible, pero emocionalmente complejo: “Con el tiempo el camino se endurece, pero también te da experiencia y seguridad”.

La visibilidad y mercado

Tatiana Fonti, artista y arquitecta argentina, analiza el mercado desde una postura consciente. Para ella, vender obra no es inmediato: “Requiere tiempo, constancia y, sobre todo, visibilidad”. Por ello destaca espacios como BADA, donde el artista puede dialogar directamente con el público. “Cuando la gente entiende la historia detrás de la obra, se crea una conexión más profunda”, afirma. Además, señala que el mercado del arte en México está en transformación, con un público cada vez más dispuesto a apoyar a artistas vivos.

Desde el grabado, Héczar Gómez reivindica el valor de los procesos tradicionales. Con diez años de trayectoria, trabaja técnicas completamente manuales como la linografía, la xilografía y la aguatinta.

Sostiene que la inteligencia artificial no puede sustituir disciplinas como el grabado, pues “el valor no está solo en la imagen final, sino en todo el proceso físico”. El precio de su obra contempla tiempo, materiales, presentación y trayectoria. Su consejo es claro: “Hay que ser constante y participar en todo, porque nunca sabes de dónde va a salir una venta o un contacto importante”.

Persistir en el oficio

Leonardo Barrientos, con más de veinticinco años de experiencia, cuestiona la escultura como objeto intocable y permite que el espectador interactúe con ella. Considera el error y el accidente como motores creativos. “Vivir del arte requiere convicción y disfrutar el proceso”, señala, además de construir una línea clara que haga reconocible al artista.

Por su parte, Ana Sofía Toca concibe su obra como un diario visual: “Cada pieza es una página de mi historia”. En su serie de sillas convierte un objeto cotidiano en símbolo de espera, ausencia y memoria. Trabaja con múltiples técnicas, pues considera que cada experiencia exige un lenguaje distinto.

Enfatiza la autogestión: “Si no sacas la obra del estudio, es como si no existiera”. Recomienda mover el trabajo, mostrarlo y participar, incluso cuando no haya ventas. Para ella, BADA representa un espacio de visibilidad, aprendizaje y validación humana.

El mayor obstáculo también es el interno

Finalmente, Florence Ortiz, artista salvadoreña, con una trayectoria consolidada y más de treinta exposiciones internacionales, ofrece una mirada directa. Para ella, uno de los mayores obstáculos es el propio artista. “El miedo y la inseguridad frenan más el mercado”, afirma. Explica que el valor de la obra crece con la trayectoria y la visibilidad, y advierte que vender solo a amigos no es sostenible. “El verdadero mercado está fuera del círculo cercano” señala, y se construye con disciplina y persistencia.

Las voces reunidas en BADA coinciden en algo: vivir del arte en México es posible, pero no romántico. Implica constancia, estrategia, visibilidad y fortaleza emocional. El arte no solo se crea; se trabaja y se defiende todos los días.

 

 

 

Fuente: El Heraldo de Mexico

redaccionqroo@diariocambio22.mx

AFC/GCH